La Galerie Borghese abrite certaines des pièces d’art les plus précieuses et culturellement importantes du monde. Il faut prendre le temps d’explorer l’ensemble de la collection, car il y a quelque chose à apprécier pour tout le monde. On y trouve des œuvres majeures telles que la sculpture d’Apollo et Daphne et le David avec la tête de Goliath de Caravage. En outre, la Galerie héberge plusieurs sculptures de Gian Lorenzo Bernini, ainsi que des œuvres d’autres artistes renommés tels que Raphaël et Titien.
Guide ultime de la Villa Borghese
Peintures à voir à la Galerie Borghese
San Domenico (Titien)
Saint Dominique était un prêtre castillan et fondateur de l’ordre dominicain qui aurait été immortalisé par le célèbre peintre vénitien Titien. Alors que Titien est estimé avoir créé environ 400 œuvres d’art dans sa vie, seulement environ 300 survivent aujourd’hui, exposées dans des galeries, musées et collections privées à travers le monde.
Amour sacré et Amour profane (Titien)
Amour Sacré et Amour Profane (italien : Amor Sacro e Amor Profano) est une peinture à l’huile de l’artiste renommé Titien, qui est estimée avoir été créée vers 1514. On pense qu’elle a été commandée par Niccolò Aurelio, un secrétaire du Conseil des Dix vénitiens, dont les armoiries sont visibles dans le sarcophage ou la fontaine de la peinture. On pense qu’elle représente la mariée, vêtue de blanc, accompagnée de Cupidon et de la déesse Vénus, en l’honneur du mariage d’Aurelio avec Laura Bagarotto. Le titre de la peinture, qui a été mentionné pour la première fois dans un inventaire en 1693 comme Amor Divino e Amor Profano (Amour Divin et Amour Profane), peut ne pas refléter le concept original. Les historiens de l’art ont longtemps étudié l’iconographie de la peinture dans le but de découvrir sa véritable signification, mais certaines de ses principales caractéristiques restent non résolues.
.jpg#/media/File:Tiziano_-_Amor_Sacro_y_Amor_Profano_(Galería_Borghese,_Roma,_1514).jpg)
Enée fuyant Troie (Federico Barocci)
Le tableau ‘Enée fuyant Troie’ de Federico Barocci est une œuvre remarquable conservée dans la Collection Borghese à Rome. Mesurant 176 x 253 cm, c’est la seule tentative de Barocci de narration historique. Commandée à l’origine comme cadeau pour l’Empereur du Saint Empire Romain, Rudolph II, par la famille Della Rovere, la pièce a ensuite été adaptée pour le Cardinal Scipione Borghese et son allégorie modifiée pour refléter la pureté spirituelle.
Ce qui est particulièrement intéressant dans cette peinture, c’est comment Barocci a réussi à intégrer les désirs de ses mécènes dans son travail. On a longtemps supposé que les deux versions d’Enée étaient identiques, cependant, un grand dessin préparatoire avec un paysage nettement différent de celui de la peinture survivante suggère que Barocci a interprété la première version différemment. Cela soulève des questions intéressantes sur le mécénat et l’échange de cadeaux, et comment l’artiste a pu utiliser ses talents et son processus de réplication à grand effet.
La Déposition (Rubens)
La Déposition du Christ par Peter Paul Rubens est une peinture renommée créée en 1602 qui a été précédemment attribuée à Van Dyck. Pendant son premier séjour à Rome, Rubens a été commissionné pour créer trois œuvres pour la chapelle de Sant’Elena dans l’église de Santa Croce in Gerusalemme en 1601-1602 et le retable pour l’église de Chiesa Nuova (Santa Maria in Vallicella) en 1606-1608. En conséquence, il a laissé une empreinte mémorable sur la peinture à Rome dans la première décennie du 17e siècle, étant influencé par les œuvres du Titien.
La peinture est entrée dans la Galerie Borghese beaucoup plus tard et a été enregistrée pour la première fois dans le fideicommissum de 1833, attribuée à Anthony van Dyck. Au premier plan, le corps du Christ est posé au repos sur un tombeau qui imite un ancien sarcophage avec des bas-reliefs. Le génie funéraire pleure sur l’autel et l’élément de sacrifice sont illustrés sur l’un des côtés courts, tandis que la couronne d’épines et les clous sur la tombe sont symboliques du sacrifice du Fils de Dieu.
Cette peinture témoigne du génie de Peter Paul Rubens et de l’impact durable qu’il a eu sur la peinture romaine au début du 17ème siècle.
Susanna et les Anciens (Rubens)
Susanna et les Anciens est une peinture créée par l’artiste flamand Peter Paul Rubens en 1607. Cette œuvre, qui mesure 94 x 65 cm, se trouve dans la salle XVIII de la Galerie Borghese. La peinture est basée sur l’histoire de Susanna dans le chapitre deutérocanonique du livre biblique de Daniel. Au 16ème siècle, les Vénitiens et l’école des Carracci ont souvent utilisé cette histoire comme une occasion de représenter la nudité féminine, et c’est la première peinture que Rubens a faite sur ce sujet.
Rubens a produit la peinture lors de son séjour à Rome en 1601-1602 et celle-ci a été ajoutée à la collection de la Galerie Borghese avant ses autres travaux dans la salle.
La peinture capte le moment où Susanna, une jeune femme juive mariée vivant à Babylone lors du premier exil du peuple juif, est éclairée de la droite et tourne son corps vers les Anciens qui sont apparus soudainement derrière elle. Susanna est drapée d’un tissu blanc qui symbolise sa pureté et sa bonté car elle n’a pas commis d’adultère; cependant, son visage reflète le choc et la peur de la présence des Anciens. Finalement, grâce à l’intervention de Daniel, elle est épargnée de la lapidation.
Tobie et l’Ange (Savoldo)
Le tableau à l’huile sur toile de Giovanni Girolamo Savoldo, “Tobie et l’Ange”, est une œuvre d’art qui réside dans la Galleria Borghese à Rome depuis 1910.
Le tableau illustre le moment où l’archange Raphaël informe Tobie de la nécessité de capturer un poisson pour guérir la cécité de son père. Savoldo a accordé une attention particulière aux détails du drapé, qui semble avoir un éclat argenté, et aux éléments naturalistes du tableau, comme la lumière qui pénètre le feuillage et les nuages atmosphériques au loin. Bien que les traits de l’ange ressemblent à ceux du polyptyque Averoldi du Titien, peint quelques années plus tôt, la sentimentalité du tableau est plus en accord avec les tons pastoraux de Giorgione.
L’artiste s’est également concentré sur le réalisme du personnage de Tobie, qui est représenté comme un jeune homme plein d’énergie. De plus, la scène est unique en ce qu’elle représente Tobie et l’Ange en pause, plutôt que dans la tradition commune où ils sont représentés en train de marcher. Ce tableau met en valeur le talent de Savoldo en tant que peintre et sa capacité à capter l’émotion du moment.
Léda et le Cygne (Galleria Borghese)
Léda et le Cygne est une peinture de l’entourage de Leonard de Vinci, avec Cesar da Sesto comme artiste le plus probable. Elle a été créée lorsque Léonard explorait le thème de Leda pendant son travail sur la Mona Lisa. Cette peinture a été décrite par Cassiano del Pozzo en 1625, mais l’œuvre avait disparu au 18ème siècle. Heureusement, il reste quelques vestiges pour donner une idée de ce à quoi l’original aurait pu ressembler. Ces vestiges comprennent des dessins de la tête de Léonard, un buste de Léda, un dessin au crayon rouge, une image de Bugiardini, une copie de Francesco Melzi et une copie de Cesare da Sesto. Parmi ceux-ci, la copie de Cesare da Sesto est considérée comme la plus proche de l’original de Léonard et est actuellement exposée à la Galleria Borghese.
Danaë (Correggio)
Danaë, une peinture de l’artiste de la Renaissance italienne Correggio, a été commandée par le duc de Mantoue Federico II Gonzaga dans le cadre d’une série représentant les amours de Jupiter. Après la mort de Federico, le tableau a été déplacé en Espagne, puis à Milan, et finalement à Prague, Stockholm, et Rome. En 1792, il a été vendu à l’Angleterre et appartenait au duc de Bridgewater et à Henry Hope. En 1827, il a été acquis à Paris par le prince Camillo Borghese pour sa collection romaine.
Le tableau représente le personnage mythologique grec Danaë, la fille d’Acrisius, roi d’Argos. Selon le poète romain Ovide dans ses Métamorphoses, Jupiter a atteint Danaë sous la forme d’une pluie d’or et l’a rendue mère de Persée. Dans le tableau de Correggio, Danaë est allongée sur un lit pendant qu’un enfant Eros la déshabille tandis qu’il pleut de l’or d’un nuage. Au pied du lit, deux putti testent des flèches d’or et de plomb sur une pierre.
La Déposition (Raphaël)
La Déposition de Raphaël est considérée comme l’une des premières chefs-d’œuvre de l’artiste. Elle a été peinte avant son déménagement à Rome et de nombreuses autres œuvres bien connues telles que la Madone à la Chaise et la Fornarina. Le tableau est lié à un épisode tragique survenu à Pérouse au début du XVIe siècle. Il représente le moment où le corps du Christ est transporté au sépulcre et les trois hommes qui le portent sont courbés sous l’effort. Autour, des femmes sont en proie à l’agonie et au désespoir. Au centre du tableau se trouve le défunt Grifonetto Baglioni, à qui le tableau est dédié. Saint Jean est la figure aux mains jointes qui regarde le corps du Christ.
Le paysage de Raphaël est un bel hommage aux œuvres de Léonard de Vinci, avec le mont Calvaire visible en arrière-plan. Au loin, le paysage est caractérisé par le sfumato de Léonard, tandis que le reste du tableau est animé par des couleurs vives, faisant de lui l’un des chefs-d’œuvre de Raphaël. Le tableau est signé et daté “RAPHAEL URBINAS MDVII” et a nécessité beaucoup de travaux préparatoires et de croquis.
Le tableau a été initialement placé dans la même église où se trouve le retable Oddi de Raphaël. Le succès de la Déposition a rendu l’artiste encore plus célèbre et a marqué un tournant dans sa vie, le conduisant à être invité à Rome par le pape Jules II.
Jeune Femme à la Licorne (Raphaël)
Le portrait de la Jeune Femme à la Licorne est un chef-d’œuvre de la Renaissance, peint par l’un de ses artistes les plus renommés, Raphaël. Ce tableau, qui est daté d’avoir été peint entre 1505 et 1506, se trouve actuellement à la Galleria Borghese à Rome. En 1934, le tableau a été transféré sur toile et a subi une restauration, lors de laquelle des repeints ont été enlevés, révélant une licorne, ainsi qu’enlevant une roue, un manteau et une palme qui avaient été ajoutés au milieu du XVIIe siècle.
On pense que le tableau a été inspiré par la Mona Lisa de Léonard de Vinci, avec le format en trois quarts et le modèle placé dans une loggia ouvrant sur un paysage. Le tableau a d’abord été attribué à Perugino, jusqu’à ce que l’on réalise qu’il était en fait de Raphaël. Ceci a été confirmé lors de la restauration des années 1930, qui a également révélé la licorne, symbole de chasteté dans le roman médiéval. Une autre restauration en 1959 a révélé l’image d’un petit chien, symbole de fidélité conjugale, qui était sous la licorne. Cela a servi de croquis pour l’aspect final de la licorne.
Le Jeune Bacchus Malade (Caravage)
Le Jeune Bacchus Malade, également connu sous le nom de Bacchus Malade ou l’Autoportrait en Bacchus, est un autoportrait précoce de l’artiste baroque italien Michelangelo Merisi da Caravaggio. On pense qu’il a été peint entre 1593 et 1594, peu après l’arrivée de Caravage à Rome. Des études récentes ont suggéré que Caravage aurait pu souffrir de la malaria, ce qui est indiqué par la peau jaunie du tableau et l’ictère dans les yeux. Une autre maladie qui a été suggérée est la maladie d’Addison, sur la base des signes d’anémie et d’acanthose nigricans.
On pense également que le tableau a été utilisé par Caravage pour démontrer ses compétences dans les genres de la nature morte et du portrait, ainsi que sa capacité à dépeindre des figures classiques de l’Antiquité. On pense que la grimace et l’inclinaison de la tête, ainsi que le sens de la souffrance représenté dans le tableau, sont une représentation de l’état physique et mental de l’artiste à l’époque. Cela peut être comparé avec des œuvres ultérieures comme le Garçon Avec un Panier de Fruits et le Garçon Mordu par un Lézard, qui montrent un état beaucoup amélioré.
David avec la Tête de Goliath (Caravage)
En mai 1606, Caravage a été accusé de meurtre et a fui Rome pour échapper à la prime qui avait été mise sur sa tête. Dans une tentative désespérée d’obtenir une grâce, il a peint un autoportrait en tant que tête tranchée de Goliath, tenue par David son bourreau, et l’a envoyé à la cour papale en 1610. Bien qu’il ait finalement été gracié, la grâce n’est pas arrivée avant la mort de Caravage à Porto Ercole.
David avec la Tête de Goliath est un hommage remarquable au style pictural de Titien, avec le visage de David entouré d’un halo lumineux. Contrairement à David de Michel-Ange, David de Caravage tient une épée d’une main et un ensemble de balances de l’autre, indiquant son rôle de juge. Cela fait référence à Christ, qui est à la fois le juge suprême et le sauveur. En contraste avec la vigueur juvénile de David, Caravage se peint lui-même comme Goliath d’une manière sombre et désespérée. Son front est meurtri et ses yeux sont sans focus et sans vie. La juxtaposition de la vie et de la mort dans ce tableau est symbolique non seulement du corps, mais aussi de l’âme. La représentation de lui-même comme damné par Caravage est une puissante réflexion sur son passé criminel et ses inconduites sexuelles.
Saint Jérôme écrivant (Caravage)
Saint Jérôme écrivant de Caravage est un tableau qui reflète la maîtrise de l’artiste du clair-obscur et sa profonde compréhension de la condition humaine. Le tableau se trouve à la Galleria Borghese à Rome et on pense qu’il date de 1605 à 1606. Le tableau représente Saint Jérôme, un sujet populaire pour Caravage, qui est représenté en pleine lecture avec un bras tendu et une plume. On a suggéré que Jérôme est en train de traduire la Vulgate. Le tableau a été demandé par le cardinal Scipione Borghese mais il est possible qu’il l’ait acquis plus tard. On pense qu’il date de la fin de la période romaine de Caravage qui s’est terminée avec son exil à Malte en 1606. St Jérôme écrivant a été remis en question quant à son authenticité en raison de son attribution à Jusepe de Ribera dans les inventaires de Borghese de 1700 jusqu’en 1893.
.jpg#/media/File:Saint_Jerome_Writing-Caravaggio_(1605-6).jpg)
Garçon avec un Panier de Fruits (Caravage)
Le Garçon avec un Panier de Fruits de Caravage date du début des années 1600, lorsque l’artiste venait d’arriver à Rome en provenance de Milan. Le tableau présente son ami, le peintre sicilien Mario Minniti, âgé d’environ 16 ans. La pièce a été initialement conservée dans la collection de Giuseppe Cesari et a été saisie par le cardinal Scipione Borghese en 1607. On pense qu’elle date de la période où Caravage travaillait pour Cesari en produisant des peintures de fleurs et de fruits, ou peut-être après son départ de l’atelier de Cesari en janvier 1594.
Le tableau est un bel exemple du réalisme de Caravage ; l’artiste ne capture que ce qui se trouve dans le panier sans idéaliser ni leur maturité ni leur arrangement. Cependant, c’est toujours une pièce esthétiquement plaisante, car elle attire le spectateur avec sa beauté et son élégance. Vittorio Sgarbi a noté certaines qualités de portraiture de Murilleque dans le tableau qui pourraient suggérer l’influence de l’atelier de Cesari.
Melissa (Dossi)
La peinture de Dosso Dossi, intitulée Circe (ou Melissa), est une œuvre à l’huile sur toile datant de 1518 environ. L’artiste, Giovanni de Lutero, était un peintre italien de la fin de l’époque de la Renaissance, influencé par Giorgione et Raphaël et ayant étudié dans l’atelier de Lorenzo Costa. Dossi était renommé pour ses paysages captivants, une rareté pour l’époque, qui sont souvent dominants dans ses œuvres, comme avec Melissa. Le tableau a été envoyé de Ferrare à Scipione Borghese par le cardinal Enzo Bentivoglio et a été mentionné pour la première fois dans la collection de Giacomo Manilli en 1650. De récents travaux de conservation ont révélé la présence de divers “pentimenti” sur le côté gauche.
La peinture représente une figure féminine portant un turban et un manteau de couleurs vives, tenant une torche et une tablette avec des dessins cabbalistiques. Elle a été identifiée comme étant à la fois la Circé d’Homère et Melissa, basée sur le poème de Ludovico Ariosto, “Orlando Furioso” (chant VIII, 14-15), qui décrit la libération d’un groupe de chevaliers représentés dans le tableau par les formes embryonnaires accrochées aux troncs d’arbres sur la gauche. Ainsi, la peinture est une représentation puissante des personnages mythologiques et littéraires et du talent artistique de Dosso Dossi.
Sculptures à voir dans la Galerie Borghèse
Buste du pape Paul V (Bernini)
Gian Lorenzo Bernini, un célèbre artiste italien, a créé deux bustes du pape Paul V, dont l’un est actuellement exposé à la Galleria Borghese de Rome et serait daté de 1618. En 2015, un second buste, commandé par le cardinal Scipione Borghese, a été acquis par le J. Paul Getty Museum de Los Angeles. Ce buste a été réalisé par Bernini en 1621, peu après la mort du pape Paul V. De plus, une version en bronze de cette sculpture se trouve au Statens Museum for Kunst de Copenhague, au Danemark.
La Chèvre Amalthée avec l’Enfant Jupiter et un Faun (Bernini)
La Chèvre Amalthée avec l’Enfant Jupiter et un Faun est la première œuvre connue de Gian Lorenzo Bernini et a été réalisée entre 1609 et 1615. Selon Filippo Baldinucci, l’artiste a créé une “petite tête d’enfant en marbre qui a émerveillé tout le monde” alors qu’il n’avait que huit ans. Adolescent, Bernini a créé de nombreuses images de putti, des enfants mâles potelés, généralement nus et parfois ailés. Ces figures se distinguent des chérubins qui étaient religieux et représentaient le deuxième ordre des anges. Parmi les trois groupes de marbre de putti que l’on peut attribuer à Bernini, La Chèvre Amalthée avec l’Enfant Jupiter et un Faun est le seul qui soit approximativement datable. En 1615, un charpentier a été payé pour fournir un piédestal en bois pour le groupe de sculptures. Cela a conduit certains auteurs à proposer une date de 1609, sur la base de critères stylistiques et de la facture du piédestal de 1615 qui pourrait être interprétée comme un remplacement.
The Goat Amalthea with the Infant Jupiter and a Faun (Bernini)
Enée, Anchise et Ascagne (Bernini)
La sculpture d’Enée, Anchise et Ascagne de Gian Lorenzo Bernini, située à la Galleria Borghese, est un bel hommage au deuxième livre de l’Énéide de Virgile. Cette sculpture grandeur nature a été créée alors que Bernini n’avait que vingt ans, et on a longtemps cru qu’elle était l’œuvre de son père, Pietro. Même aujourd’hui, beaucoup débattent encore pour savoir si Bernini a été aidé par son père ou non.
La sculpture représente une scène de l’Énéide, dans laquelle Enée est vu escortant son père Anchise et son fils Ascagne hors de Troie. Enée porte son père sur ses épaules, et Anchise tient deux petites statues, les pénates. Les détails de la sculpture sont incroyables, et elle témoigne du talent de Gian Lorenzo Bernini à un si jeune âge.
Le viol de Proserpine (Bernini)
Le Viol de Proserpine de Gian Lorenzo Bernini (Ratto di Proserpina) est un ensemble sculptural de style baroque composé de marbre, commandé par le cardinal Scipione Borghese et achevé entre 1621 et 1622 alors que Bernini n’avait que vingt-trois ans. Cette œuvre d’art représente l’enlèvement de Proserpine par Pluton, le dieu des enfers. Le cardinal Scipione a payé Bernini 450 scudi romains pour la sculpture, et elle a été ensuite donnée au cardinal Ludovisi en 1622 avant d’être rachetée par l’État italien et retournée à la Villa Borghese en 1908.
Le mythe de l’enlèvement de Proserpine est basé sur la mythologie romaine. Proserpine est la fille de Cérès, la déesse de la fertilité, et de Jupiter, le dieu du ciel et du tonnerre. Alors que Proserpine cueillait des fleurs avec ses amis, le souverain des enfers, Pluton, l’a vue et en est tombé amoureux. Il l’a enlevée dans un char tiré par quatre chevaux noirs et l’a emmenée aux enfers. Quand Cérès a entendu les cris de sa fille appelant à l’aide, elle l’a cherchée et est devenue si en colère qu’elle a maudit la terre et a provoqué une grande famine. Réalisant la catastrophe qui s’était produite, Jupiter est intervenu et a conclu un accord selon lequel Proserpine passerait la moitié de l’année avec sa mère et l’autre moitié aux enfers avec Pluton.
David (Bernini)
David est une sculpture en marbre grandeur nature créée par Gian Lorenzo Bernini et commandée par le cardinal Scipione Borghese pour sa villa. Elle a été achevée en sept mois en 1623-1624. L’œuvre représente le David biblique, sur le point de lancer la pierre qui fera tomber Goliath et lui donnera la possibilité de le décapiter. Cette sculpture est considérée comme une œuvre innovante, en raison de son mouvement implicite et de sa nature psychologiquement intense, comparée à d’autres œuvres sur le même sujet.
Avant de travailler sur le David, Bernini avait été chargé de réaliser diverses œuvres sculpturales pour la villa de son mécène, le cardinal Scipione Borghese. Il travaillait sur la sculpture d’Apollon et Daphné quand il a brusquement orienté son attention vers David. Les archives indiquent que Bernini avait commencé à travailler sur la sculpture à la mi-1623 et qu’il avait terminé à la même époque l’année suivante.
Apollon et Daphné (Bernini)
L’Apollon et Daphné de Gian Lorenzo Bernini, dévoilé en 1625, est un chef-d’œuvre de la sculpture baroque. À l’époque, l’œuvre était célébrée comme une “meraviglia”, ou merveille, en raison de son incroyable niveau d’art et de compétence. Malgré ses 30 ans, Bernini a réussi à capturer une multitude d’émotions dans cette pièce; de la peur de la femme pourchassée à la convoitise de l’homme qui n’accepte pas le refus.
Quatre siècles plus tard, Apollon et Daphné continue de captiver les spectateurs par sa beauté étonnante et ses thèmes sombrement pertinents d’agression sexuelle et de déséquilibre de pouvoir. L’exploit de Bernini de tailler le mouvement et la transformation dans la pierre a rarement été égalé, et l’œuvre continue d’être l’une de ses plus acclamées.
La vérité dévoilée par le temps (Bernini)
La sculpture La Vérité dévoilée par le Temps de Gian Lorenzo Bernini est un chef-d’œuvre artistique, créé pour exprimer une réplique aux critiques de ses adversaires de son projet architectural raté. La sculpture représente une jeune femme nue qui est dévoilée par une figure du Temps, une figure qui malheureusement n’a jamais été achevée. Bien que la figure du Temps ait été laissée inachevée, l’attention de Bernini au détail était encore visible dans son travail, qui a été achevé en 1652 et légué au premier-né de la famille Bernini dans son testament.
Bien que Bernini ait essayé de vendre la sculpture au cardinal Mazarin de France, elle est restée dans sa famille jusqu’en 1924, date à laquelle elle a été achetée par le gouvernement italien et transférée à la Galleria Borghese. Le socle de la sculpture avait été incliné vers le bas mais a été récemment restauré à une surface plane, laissant la Vérité dans une position droite comme elle aurait été initialement exposée.
La sculpture rappelle le talent de Bernini, même face à la controverse entourant son projet raté. Un rappel que la vérité peut être dévoilée par le temps, et que l’histoire retiendra toujours l’œuvre de l’artiste.
Vénus Victrix (Canova)
Le Portrait de Paolina Borghese, commandé par le prince Camillo Borghese en 1804, est l’un des chefs-d’œuvre emblématiques de la Galleria, achevé par Antonio Canova en 1808. Le couple s’était marié à Paris un an auparavant, avec la bénédiction de Napoléon, car la belle et pétillante Pauline Bonaparte était sa sœur bien-aimée. À son retour à Rome, le style de vie de Pauline, fait d’apparat et de divertissements, a pu reprendre.
Bien que de nombreuses rumeurs aient circulé sur la création du portrait, Pauline elle-même aurait prétendument fait le commentaire, “tous les voiles peuvent tomber devant Canova”, il s’agit en fait d’un portrait idéalisé, présentant la princesse comme Vénus et la victorieuse du jugement de Paris, comme l’indique la pomme qu’elle tient. Cette œuvre est une synthèse de la culture figurative de Canova, rendant hommage à la fois aux traditions classiques et vénitiennes de la peinture.
La représentation du matelas sous la déesse est impressionnante, et rappelle un autre précédent illustre – le matelas que Bernini a sculpté pour son Hermaphrodite qui appartenait à Scipione Borghese. Le mécanisme original qui permet à la sculpture de tourner à 360 degrés est toujours fonctionnel, ce qui ajoute encore à la qualité réaliste de l’œuvre.
En conclusion, le Portrait de Paolina Borghese se présente comme une icône du néoclassicisme singulier de Canova, et rappelle le grand soin apporté à sa création.
