La Galería Borghese alberga algunas de las piezas de arte más preciadas y culturalmente significativas del mundo. Deberías tomarte el tiempo para explorar la colección completa, ya que hay algo para todos los intereses. Nuestra página proporciona una lista completa de las cosas más importantes para ver en la Galería Borghese, para que puedas aprovechar al máximo tu experiencia. Incluye destacados como la escultura de Apolo y Dafne y el David con la cabeza de Goliat de Caravaggio. Además, la Galería alberga varias esculturas de Gian Lorenzo Bernini, así como obras de otros artistas reconocidos como Rafael y Tiziano.
Ultimate Guide to Villa Borghese
Pinturas para ver en la Galería Borghese
San Domenico (Tiziano)
San Domenico fue un sacerdote castellano y fundador de la Orden Dominicana que se cree que fue inmortalizado por el renombrado pintor veneciano Tiziano. Aunque se estima que Tiziano creó alrededor de 400 obras de arte en su vida, solo sobreviven aproximadamente 300, expuestas en galerías, museos y colecciones privadas en todo el mundo.
Amor Sacro y Amor Profano (Tiziano)
Amor Sacro y Amor Profano es una pintura al óleo del reconocido artista Tiziano, que se estima fue creada alrededor de 1514. Se cree que fue encargada por Niccolò Aurelio, secretario del Consejo de Diez de Venecia, cuyo escudo de armas está visible en el sarcófago o fuente de la pintura. Se cree que es una representación de la novia, vestida de blanco, acompañada por Cupido y la diosa Venus, en honor al matrimonio de Aurelio con Laura Bagarotto. El título de la pintura, que se mencionó por primera vez en un inventario en 1693 como Amor Divino y Amor Profano, puede no reflejar el concepto original. Los historiadores del arte han estudiado durante mucho tiempo la iconografía de la pintura en un intento por descubrir su verdadero significado, pero algunos de sus puntos principales permanecen sin resolver.
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Eneas huyendo de Troya (Federico Barocci)
La pintura de Federico Barocci, ‘Eneas huyendo de Troya’, es una obra de arte notable que se ha conservado en la Colección Borghese en Roma. Midiendo 176 x 253 cm, es el único intento de Barocci de narración histórica. Originalmente encargada como regalo para el Emperador del Sacro Imperio Romano, Rodolfo II, por la familia Della Rovere, la pieza fue adaptada más tarde para el Cardenal Scipione Borghese y se alteró su alegoría para reflejar la pureza espiritual.
Lo que resulta particularmente interesante de esta pintura es cómo Barocci logró incorporar los deseos de sus patrocinadores en su trabajo. Se asumió durante mucho tiempo que las dos versiones de Eneas eran idénticas, sin embargo, un gran dibujo con un paisaje distintivamente diferente al de la pintura superviviente sugiere que Barocci interpretó la primera versión de manera diferente. Esto plantea interesantes preguntas sobre el mecenazgo y el intercambio de regalos, y cómo el artista pudo emplear sus habilidades y el proceso de réplica con gran efecto.
La Deposición (Rubens)
La Deposición de Cristo de Peter Paul Rubens es una famosa pintura creada en 1602 que previamente fue atribuida a Van Dyck. Durante su primera estancia en Roma, a Rubens se le encargó la creación de tres obras para la capilla de Sant’Elena en la iglesia de Santa Croce en Gerusalemme en 1601-1602 y el retablo para la iglesia de Chiesa Nuova (Santa Maria in Vallicella) en 1606-1608. Como resultado, dejó una marca memorable en la pintura en Roma en la primera década del siglo XVII, siendo influenciado por las obras de Tiziano.
La pintura ingresó a la Galería Borghese mucho más tarde y fue registrada por primera vez en el fideicomiso de 1833, atribuida a Anthony van Dyck. En primer plano, el cuerpo de Cristo es depositado para descansar en una tumba que imita un antiguo sarcófago con bajorrelieves. El genio funerario que llora en el altar y el elemento del sacrificio se ilustran en uno de los lados cortos, mientras que la corona de espinas y los clavos en la tumba simbolizan el sacrificio del Hijo de Dios.
Esta pintura sirve como un testimonio del genio de Peter Paul Rubens y el impacto duradero que tuvo en la pintura romana a principios del siglo XVII.
Susanna y los Ancianos (Rubens)
Susanna y los Ancianos es una pintura creada por el artista flamenco Peter Paul Rubens en 1607. Esta obra, que mide 94 x 65 cm, se puede encontrar en la Sala XVIII de la Galería Borghese. La pintura está basada en la historia de Susanna en el capítulo deuterocanónico del libro bíblico de Daniel. En el siglo XVI, los venecianos y la Escuela Carracci solían usar esta historia como una oportunidad para retratar la desnudez femenina, y esta fue la primera pintura que Rubens hizo sobre el tema.
Rubens produjo la pintura mientras estaba en Roma en 1601-1602 y fue añadida a la colección de la Galería Borghese antes que sus otras obras en la sala.
La pintura captura el momento en que Susana, una joven judía casada que vive en Babilonia durante el primer exilio del pueblo judío, es iluminada desde la derecha y retuerce su cuerpo hacia los ancianos que han aparecido repentinamente detrás de ella. Susana está cubierta con un paño blanco que simboliza su pureza y bondad, ya que no ha cometido adulterio; sin embargo, su rostro refleja el shock y el miedo ante la presencia de los ancianos. Finalmente, gracias a la intervención de Daniel, se salva de ser lapidada.
Tobías y el Ángel (Savoldo)
La pintura al óleo de Giovanni Girolamo Savoldo, “Tobías y el Ángel”, es una obra de arte que reside en la Galleria Borghese en Roma desde 1910.
La pintura retrata el momento en el que el arcángel Rafael informa a Tobías de la necesidad de capturar un pez para curar la ceguera de su padre. Savoldo prestó especial atención a los detalles del drapeado, ya que parece tener un brillo plateado, y a los elementos naturalistas en la pintura, como la luz que penetra el follaje y las nubes atmosféricas a lo lejos. Aunque las características del ángel se asemejan a las del Ángel en el Políptico Averoldi de Tiziano, pintado unos años antes, la sentimentalidad de la pintura está más en línea con los tonos pastorales de Giorgione.
El artista también se centró en el realismo del personaje de Tobías, ya que se le representa como un joven lleno de energía. Además, la escena es única en que muestra a Tobías y al Ángel en una pausa, en lugar de la tradición común de ellos caminando. Esta pintura muestra la habilidad de Savoldo como pintor y su capacidad para capturar la emoción del momento.
Leda y el Cisne (Galería Borghese)
Leda y el Cisne es una pintura del círculo de Leonardo da Vinci, siendo Cesare da Sesto el artista más probable. Fue creada cuando Leonardo estaba explorando el tema de Leda durante su trabajo en la Mona Lisa. Esta pintura fue descrita por Cassiano del Pozzo en 1625, pero la obra había desaparecido para el siglo XVIII. Afortunadamente, quedan algunos restos que dan una idea de cómo pudo haber sido el original. Estos restos incluyen dibujos de la cabeza de Leonardo, un busto de Leda, un dibujo en tiza roja, una imagen de Bugiardini, una copia de Francesco Melzi y una copia de Cesare da Sesto. De estas, se dice que la copia de Cesare da Sesto es la más cercana al original de Leonardo y actualmente se exhibe en la Galería Borghese.
Danae (Correggio)
Danae, una pintura del artista renacentista italiano Correggio, fue encargada por el duque de Mantua, Federico II Gonzaga, como parte de una serie que representa los amores de Júpiter. Tras la muerte de Federico, la pintura fue trasladada a España, luego a Milán, y finalmente a Praga, Estocolmo y Roma. En 1792 fue vendida a Inglaterra y fue propiedad del duque de Bridgewater y de Henry Hope. En 1827, fue adquirida en París por el príncipe Camillo Borghese para su colección romana.
La pintura representa a la figura mitológica griega Danae, hija de Acrisio, rey de Argos. Según lo contado por el poeta romano Ovidio en sus Metamorfosis, Júpiter llegó a Danae en forma de lluvia dorada y la hizo madre de Perseo. En la pintura de Correggio, Danae se ve acostada en una cama mientras un niño Eros la desnuda mientras llueve oro desde una nube. Al pie de la cama, dos putti están probando flechas de oro y plomo contra una piedra.
La Deposición (Rafael)
La Deposición de Rafael es considerada una de las primeras obras maestras del artista. Fue pintada antes de su traslado a Roma y de muchas otras obras bien conocidas como la Madonna del Sillón y la Fornarina. La pintura está relacionada con un trágico episodio que ocurrió en Perugia a principios del siglo XVI. Representa el momento en que el cuerpo de Cristo está siendo trasladado al sepulcro y los tres hombres que lo llevan están arqueados por el esfuerzo. Alrededor, las mujeres están en agonía y desesperación. En el centro de la pintura está el difunto Grifonetto Baglioni, a quien está dedicada la pintura. San Juan es la figura con las manos cruzadas mirando el cuerpo de Cristo.
El paisaje de Rafael es un hermoso homenaje a las obras de Leonardo da Vinci, con el Monte Calvario visible en el fondo. A lo lejos, el paisaje está caracterizado por el sfumato de Leonardo, mientras que el resto de la pintura está animado por colores brillantes, convirtiéndolo en una de las obras maestras de Rafael. La pintura está firmada y fechada “RAPHAEL URBINAS MDVII” y requirió una gran cantidad de trabajo preparatorio y bocetos.
La pintura fue originalmente colocada en la misma iglesia en la que cuelga el Retablo Oddi de Rafael. El éxito de La Deposición hizo al artista aún más famoso y marcó un punto de inflexión en su vida, lo que llevó a su invitación a Roma por el Papa Julio II.
Joven mujer con Unicornio (Rafael)
El retrato de Joven mujer con Unicornio es una obra maestra del Renacimiento, pintada por uno de sus artistas más renombrados, Rafael. Esta pintura, que se data entre 1505 y 1506, se encuentra actualmente en la Galería Borghese en Roma. En 1934, la pintura fue transferida a lienzo y sometida a conservación, durante la cual se eliminó la repintura, revelando un unicornio, así como eliminando una rueda, una capa y una fronda de palma que se habían añadido a mediados del siglo XVII.
Se cree que la pintura se inspiró en la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, con el formato de tres cuartos y la modelo ubicada en una loggia que se abre a un paisaje. La pintura fue originalmente atribuida a Perugino, hasta que se dio cuenta de que en realidad era de Rafael. Esto se confirmó en la restauración de los años 30, que también reveló el unicornio, un símbolo de castidad en el romance medieval. Una restauración posterior en 1959 reveló una imagen de un pequeño perro, símbolo de fidelidad conyugal, que estaba debajo del unicornio. Esto sirvió como el boceto para la apariencia final del unicornio.
Joven Bacchus enfermo (Caravaggio)
El Joven Bacchus enfermo, también conocido como Bacchus enfermo o Autorretrato como Bacchus, es un primer autorretrato del artista barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio. Se cree que fue pintado entre 1593 y 1594, poco después de la llegada de Caravaggio a Roma. Estudios recientes han sugerido que Caravaggio pudo haber sufrido de malaria, indicado por la piel ictericia y el icterus en los ojos de la pintura. Otra diagnosis que se ha sugerido es la enfermedad de Addison, basada en los signos de anemia y acantosis nigricans.
También se piensa que la pintura fue utilizada por Caravaggio para demostrar sus habilidades en géneros de pintura como el bodegón y el retrato, así como su capacidad para representar figuras clásicas de la antigüedad. Se cree que la mueca y la inclinación de la cabeza, así como la sensación de sufrimiento representada en la pintura, es una representación de la condición física y mental del artista en ese momento. Esto se puede comparar con obras posteriores como el Niño con una cesta de frutas y el Niño mordido por un lagarto, que muestran una condición muy mejorada.
David con la Cabeza de Goliat (Caravaggio)
En mayo de 1606, Caravaggio fue acusado de asesinato y huyó de Roma para evitar el precio que se había puesto a su cabeza. En un intento desesperado por recibir un indulto, pintó un autorretrato como la cabeza cortada de Goliat, sostenida por David, su verdugo, y lo envió a la corte papal en 1610. Aunque finalmente fue indultado, el indulto no llegó antes de la muerte de Caravaggio en Porto Ercole.
David con la Cabeza de Goliat es un notable homenaje al estilo de pintura de Tiziano, con el rostro de David rodeado por un halo brillante. A diferencia del David de Miguel Ángel, el David de Caravaggio sostiene una espada en una mano y una balanza en la otra, indicando su papel de juez. Esto se relaciona con Cristo, quien es a la vez el juez supremo y salvador. En contraste con el vigor juvenil de David, Caravaggio se pinta a sí mismo como Goliat de manera sombría y desesperada. Su frente está magullada y sus ojos están desenfocados y sin vida. La yuxtaposición de vida y muerte en esta pintura es simbólica no solo del cuerpo, sino también del alma. La representación de Caravaggio de sí mismo como condenado es una poderosa reflexión de su pasado criminal e impropiedades sexuales.
San Jerónimo escribiendo (Caravaggio)
San Jerónimo escribiendo de Caravaggio es una pintura que refleja la maestría del artista en el claroscuro y su profundo entendimiento de la condición humana. La pintura se encuentra en la Galería Borghese en Roma y se cree que data de 1605 a 1606. La pintura representa a San Jerónimo, un tema popular para Caravaggio, que se muestra leyendo intensamente con un brazo extendido y una pluma. Se ha sugerido que Jerónimo está en el acto de traducir la Vulgata. Se solicitó la pintura al cardenal Scipione Borghese, pero es posible que la adquiriera más tarde. Se cree que es del último período romano de Caravaggio que terminó con su exilio a Malta en 1606. La autenticidad de San Jerónimo escribiendo ha sido cuestionada debido a su atribución a Jusepe de Ribera en los inventarios Borghese de 1700 hasta 1893.
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Niño con una cesta de frutas (Caravaggio)
El Niño con una cesta de frutas de Caravaggio data de principios de 1600, cuando el artista acababa de llegar a Roma desde Milán. La pintura presenta a su amigo, el pintor siciliano Mario Minniti, alrededor de los 16 años. La pieza se guardaba originalmente en la colección de Giuseppe Cesari y fue confiscada por el cardenal Scipione Borghese en 1607. Se cree que es del período en que Caravaggio trabajaba para Cesari produciendo pinturas de flores y frutas, o posiblemente después de que él y Minniti abandonaron el taller de Cesari en enero de 1594.
La pintura es un excelente ejemplo del realismo de Caravaggio; el chico parece estar a punto de moverse, como si acabara de sorprenderlo alguien, mientras que la cesta de frutas está representada con tal detalle que parece real. La piel del niño brilla con luz, y las frutas se ven frescas y a punto de caerse de la canasta.
Melissa (Dossi)
La pintura de Dosso Dossi, titulada Circe (o Melissa), es una obra en óleo sobre lienzo datada alrededor de 1518. El artista, Giovanni de Lutero, fue un pintor italiano del período tardío del Renacimiento, influenciado por Giorgione y Rafael, y que estudió en el taller de Lorenzo Costa. Dossi fue reconocido por sus cautivadores paisajes, algo raro para la época, que a menudo son dominantes en sus obras, como en Melissa. La pintura fue enviada desde Ferrara a Scipione Borghese por el cardenal Enzo Bentivoglio y se menciona por primera vez en la colección de Giacomo Manilli en 1650. Recientes trabajos de conservación han revelado la presencia de varios “pentimenti” en el lado izquierdo.
La pintura muestra una figura femenina con un turbante y un manto de colores vibrantes, sosteniendo una antorcha y una tabla con diseños cabalísticos. Se la ha identificado tanto con la Circe de Homero como con Melissa, basándose en el poema de Ludovico Ariosto, “Orlando Furioso” (canto VIII, 14-15), que describe la liberación de un grupo de caballeros representados en la pintura por las formas embrionarias que cuelgan de los troncos de los árboles a la izquierda. Así, la pintura es una poderosa representación de los personajes mitológicos y literarios y de la habilidad artística de Dosso Dossi.
Esculturas para ver en la Galería Borghese
Busto de Papa Pablo V (Bernini)
Gian Lorenzo Bernini, un renombrado artista italiano, creó dos bustos del Papa Pablo V, uno de los cuales se encuentra actualmente en la Galleria Borghese en Roma y se cree que es de 1618. En 2015, un segundo busto, encargado por el Cardenal Scipione Borghese, fue adquirido por el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles. Este busto fue realizado por Bernini en 1621, poco después de la muerte del Papa Pablo V. Además, una versión en bronce de esta escultura se encuentra en el Statens Museum for Kunst en Copenhague, Dinamarca.
La Cabra Amaltea con el Infante Júpiter y un Fauno (Bernini)
La Cabra Amaltea con el Infante Júpiter y un Fauno es la obra conocida más antigua de Gian Lorenzo Bernini y fue producida entre 1609 y 1615. Según Filippo Baldinucci, el artista creó una “pequeña cabeza de mármol de un niño que asombró a todos” cuando tenía solo ocho años. De adolescente, Bernini creó numerosas imágenes de putti, que eran niños varones regordetes, generalmente desnudos y a veces con alas. Estas figuras diferían de los querubines, que eran religiosos y representaban el segundo orden de ángeles. De los tres grupos de mármol de putti que se pueden atribuir a Bernini, La Cabra Amaltea con el Infante Júpiter y un Fauno es el único que se puede fechar aproximadamente. En 1615, se pagó a un carpintero por proporcionar un pedestal de madera para el grupo escultórico. Esto ha llevado a algunos escritores a proponer una fecha de 1609, basándose en razones estilísticas y en la factura del pedestal de 1615, que podría interpretarse como un reemplazo.
The Goat Amalthea with the Infant Jupiter and a Faun (Bernini)
Eneas, Anquises y Ascanio (Bernini)
La escultura de Gian Lorenzo Bernini de Eneas, Anquises y Ascanio, ubicada en la Galleria Borghese, es un hermoso homenaje al segundo libro de la Eneida de Virgilio. Esta escultura de tamaño natural fue creada cuando Bernini tenía solo veinte años, y originalmente se pensó que era obra de su padre, Pietro. Incluso ahora, muchos aún debaten si Bernini recibió ayuda de su padre o no.
La escultura representa una escena de la Eneida, en la que Eneas se ve escoltando a su padre Anquises y a su hijo Ascanio lejos de Troya. Eneas lleva a su padre sobre sus hombros, y Anquises sostiene dos pequeñas estatuas, los penates. Los detalles de la escultura son increíbles, y sirve como un testimonio de la habilidad de Gian Lorenzo Bernini a tan temprana edad.
El Rapto de Proserpina (Bernini)
El Rapto de Proserpina (Ratto di Proserpina) de Gian Lorenzo Bernini es un grupo escultórico de estilo barroco compuesto de mármol, encargado por el Cardenal Scipione Borghese y completado entre 1621 y 1622, cuando Bernini tenía solo veintitrés años. Esta obra de arte representa el secuestro de Proserpina por Plutón, el dios del inframundo. El cardenal Scipione pagó a Bernini 450 scudi romanos por la escultura, y luego se la dio al cardenal Ludovisi en 1622 antes de ser readquirida por el estado italiano y devuelta a la Villa Borghese en 1908.
El mito del secuestro de Proserpina se basa en la mitología romana. Proserpina es la hija de Ceres, la diosa de la fertilidad, y Júpiter, el dios patrón del cielo y el trueno. Mientras Proserpina estaba recogiendo flores con sus amigas, el gobernante del inframundo, Plutón, la vio y se enamoró. La raptó en un carro tirado por cuatro caballos negros y la llevó al inframundo. Cuando Ceres escuchó los gritos de ayuda de su hija, la buscó y se enfureció tanto que maldijo la tierra y provocó una gran hambruna. Dándose cuenta de la catástrofe que había ocurrido, Júpiter intervino y llegó a un acuerdo para que Proserpina pasara la mitad del año con su madre y la otra mitad en el inframundo con Plutón.
David (Bernini)
David es una escultura de mármol de tamaño natural creada por Gian Lorenzo Bernini y encargada por el Cardenal Scipione Borghese para su villa. Se completó en el transcurso de siete meses en 1623-1624. La obra de arte representa al bíblico David, dispuesto a lanzar la piedra que derribará a Goliat y le otorgará la capacidad de decapitarlo. Esta escultura se considera una pieza innovadora, debido a su movimiento implícito y su naturaleza psicológicamente intensa, en comparación con otras obras sobre el mismo tema.
Antes de trabajar en el David, Bernini había sido encargado de realizar varias obras escultóricas para la villa de su mecenas, el Cardenal Scipione Borghese. Estaba trabajando en la escultura de Apolo y Dafne cuando abruptamente cambió su enfoque a David. Los registros indican que Bernini había comenzado a trabajar en la escultura a mediados de 1623, y terminó al mismo tiempo del año siguiente.
Apolo y Dafne (Bernini)
Apolo y Dafne de Gian Lorenzo Bernini, desvelada en 1625, es una obra maestra de la escultura barroca. En su momento, la obra fue celebrada como una ‘meraviglia’, o maravilla, debido a su increíble nivel de arte y habilidad. A pesar de tener solo 30 años, Bernini logró capturar una multitud de emociones dentro de la pieza; desde el miedo de la mujer perseguida hasta el deseo del hombre que no acepta un no por respuesta.
Cuatro siglos después, Apolo y Dafne sigue cautivando a los espectadores con su impresionante belleza y sus oscuros temas de agresión sexual y desequilibrio de poder. La proeza de Bernini de esculpir el movimiento y la transformación de la piedra rara vez ha sido igualada, y la pieza sigue siendo una de sus obras más aclamadas.
La Verdad descubierta por el Tiempo (Bernini)
La escultura La Verdad descubierta por el Tiempo de Gian Lorenzo Bernini es una obra maestra del arte, creada para expresar una respuesta a las críticas de sus oponentes a su fracasado proyecto arquitectónico. La escultura representa a una joven desnuda siendo descubierta por una figura del Tiempo, una figura que desafortunadamente nunca se terminó. Aunque la figura del Tiempo quedó inacabada, la atención al detalle de Bernini seguía siendo visible en su obra, que se terminó en 1652 y se dejó al primogénito de la familia Bernini en su testamento.
Aunque Bernini intentó vender la escultura al Cardenal Mazarin de Francia, permaneció en su familia hasta 1924, cuando fue comprada por el gobierno italiano y trasladada a la Galleria Borghese. El pedestal de la escultura se había inclinado hacia abajo, pero fue recientemente restaurado a una superficie plana, dejando a la Verdad en una posición vertical como originalmente habría sido mostrada.
La escultura es un recordatorio de la habilidad de Bernini, incluso frente a la controversia que rodea a su fracasado proyecto. Un recordatorio de que la verdad puede ser descubierta por el tiempo, y la historia siempre recordará el trabajo del artista.
Venus Victoriosa (Canova)
El retrato de Paolina Borghese, encargado por el Príncipe Camillo Borghese y tallado por Antonio Canova en mármol blanco entre 1805 y 1808, es conocido como Venus Victoriosa (Venere Vincitrice). La escultura retrata a la princesa Paolina Bonaparte, hermana de Napoleón Bonaparte, desnuda recostada sobre un diván como la diosa Venus. La escultura está expuesta en su propia sala en la Galería Borghese en Roma.
Paolina Bonaparte se casó con el príncipe Camillo Borghese después de que su matrimonio anterior se anulara por su hermano Napoleón. Pronto después de su matrimonio, el Príncipe Borghese encargó a Antonio Canova la escultura de su esposa. Sin embargo, a pesar de que la escultura fue encargada para su esposo, Paolina posó desnuda para Canova, lo que causó bastante escándalo en su época.
En la escultura, Paolina está desnuda, recostada en un diván y sosteniendo la manzana dorada que París le entregó en reconocimiento de su belleza. La escultura es una representación de Venus, la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad.
La escultura es conocida por su realismo y por la habilidad de Canova para capturar la textura y la suavidad de la piel de Paolina. A pesar del escándalo que rodea a la escultura, sigue siendo una de las más populares y reconocidas de Canova.
