Die Galleria Borghese beherbergt einige der kostbarsten und kulturell bedeutsamsten Kunstwerke der Welt. Sie sollten sich Zeit nehmen, um die gesamte Sammlung zu erkunden, denn es gibt etwas für jeden zu schätzen. Unsere Seite bietet eine vollständige Liste der wichtigsten Dinge, die man in der Galleria Borghese sehen kann, damit Sie das Beste aus Ihrem Erlebnis herausholen können. Sie beinhaltet Höhepunkte wie die Skulptur von Apollo und Daphne und Caravaggios David mit dem Haupt des Goliath. Darüber hinaus beherbergt die Galerie mehrere Skulpturen von Gian Lorenzo Bernini sowie Werke anderer renommierter Künstler wie Raphael und Tizian.
Ultimativer Leitfaden zur Villa Borghese
Gemälde, die man in der Galleria Borghese sehen sollte
San Domenico (Tizian)
Der heilige Dominikus war ein kastilischer Priester und Gründer des Dominikanerordens, der von dem berühmten venezianischen Maler Tizian verewigt wurde. Obwohl man schätzt, dass Tizian in seinem Leben etwa 400 Kunstwerke geschaffen hat, überleben heute nur etwa 300, die in Galerien, Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt ausgestellt sind.
Heilige und Profane Liebe (Tizian)
Heilige und Profane Liebe (Italienisch: Amor Sacro e Amor Profano) ist ein Ölgemälde des berühmten Künstlers Tizian, das um 1514 entstanden sein soll. Es wird angenommen, dass es von Niccolò Aurelio, einem Sekretär des venezianischen Rates der Zehn, in Auftrag gegeben wurde, dessen Wappen im Sarkophag oder Brunnen des Gemäldes sichtbar ist. Es soll eine Darstellung der Braut in Weiß, begleitet von Cupido und der Göttin Venus, zu Ehren von Aurelios Hochzeit mit Laura Bagarotto sein. Der Titel des Gemäldes, der erstmals in einem Inventar von 1693 als Amor Divino e Amor Profano (Göttliche Liebe und Profane Liebe) erwähnt wurde, spiegelt möglicherweise nicht das ursprüngliche Konzept wider. Kunsthistoriker haben lange die Ikonografie des Gemäldes studiert, um seine wahre Bedeutung zu entdecken, doch einige seiner Hauptpunkte bleiben ungeklärt.
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Äneas flieht aus Troja (Federico Barocci)
Federico Baroccis Gemälde ‘Äneas flieht aus Troja’ ist ein bemerkenswertes Kunstwerk, das in der Borghese-Sammlung in Rom erhalten geblieben ist. Mit einer Größe von 176 x 253 cm handelt es sich um Baroccis einzigen Versuch einer historischen Erzählung. Ursprünglich als Geschenk für den Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, Rudolph II, von der Familie Della Rovere in Auftrag gegeben, wurde das Stück später für Kardinal Scipione Borghese angepasst und seine Allegorie wurde verändert, um geistige Reinheit widerzuspiegeln.
Besonders interessant an diesem Gemälde ist, wie Barocci die Wünsche seiner Mäzene in sein Werk integriert hat. Lange wurde angenommen, dass die beiden Versionen von Äneas identisch sind, jedoch deutet eine großformatige Vorzeichnung mit einer deutlich anderen Landschaft als im erhaltenen Gemälde darauf hin, dass Barocci die erste Version anders interpretierte. Dies wirft interessante Fragen über das Mäzenatentum und den Austausch von Geschenken auf und wie der Künstler seine Fähigkeiten und seinen Reproduktionsprozess effektiv einsetzen konnte.
Die Kreuzabnahme (Rubens)
Die Kreuzabnahme Christi von Peter Paul Rubens ist ein berühmtes Gemälde, das 1602 geschaffen wurde und zuvor Van Dyck zugeschrieben wurde. Während seines ersten Aufenthalts in Rom wurde Rubens beauftragt, drei Werke für die Kapelle von Sant’Elena in der Kirche Santa Croce in Gerusalemme in den Jahren 1601-1602 und das Altarbild für die Kirche Chiesa Nuova (Santa Maria in Vallicella) in den Jahren 1606-1608 zu schaffen. Dadurch hinterließ er einen unvergesslichen Eindruck in der römischen Malerei im ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts und wurde von den Werken Tizians beeinflusst.
Das Gemälde gelangte erst viel später in die Borghese-Galerie und wurde erstmals im Fideikommiss von 1833 verzeichnet, zugeschrieben an Anthony van Dyck. Im Vordergrund wird der Leichnam Christi auf einem Grab abgelegt, das einem antiken Sarkophag mit Basreliefs nachempfunden ist. Der weinende Trauergeist auf dem Altar und das Element des Opfers sind auf einer der kurzen Seiten dargestellt, während die Dornenkrone und die Nägel auf dem Grab symbolisch für das Opfer des Sohnes Gottes stehen.
Dieses Gemälde dient als Zeugnis für das Genie von Peter Paul Rubens und die anhaltende Wirkung, die er auf die römische Malerei im frühen 17. Jahrhundert hatte.
Susanna und die Ältesten (Rubens)
‘Susanna und die Ältesten’ ist ein Gemälde, das 1607 von dem flämischen Künstler Peter Paul Rubens geschaffen wurde. Dieses Kunstwerk, das 94 x 65 cm misst, befindet sich im Raum XVIII der Borghese Galerie. Das Gemälde basiert auf der Geschichte von Susanna im deuterokanonischen Kapitel des biblischen Buches Daniel. Im 16. Jahrhundert nutzten die Venezianer und die Carracci-Schule diese Geschichte oft als Gelegenheit, um weibliche Nacktheit darzustellen, und dies war das erste Gemälde, das Rubens zu diesem Thema anfertigte.
Rubens fertigte das Gemälde während seines Aufenthalts in Rom in den Jahren 1601-1602 an und es wurde der Sammlung der Borghese Galerie hinzugefügt, bevor seine anderen Werke im Raum aufgestellt wurden.
Das Gemälde zeigt den Moment, als Susanna, eine junge verheiratete jüdische Frau, die während des ersten Exils der Juden in Babylon lebt, von rechts beleuchtet wird und ihren Körper zu den Ältesten dreht, die plötzlich hinter ihr erschienen sind. Susanna ist in ein weißes Tuch gehüllt, das ihre Reinheit und Güte symbolisiert, da sie keinen Ehebruch begangen hat; jedoch spiegelt ihr Gesicht Schock und Angst vor der Anwesenheit der Ältesten wider. Letztendlich wird sie dank Daniels Intervention vor dem Tod durch Steinigung bewahrt.
Tobias und der Engel (Savoldo)
Das Ölgemälde “Tobias und der Engel” von Giovanni Girolamo Savoldo ist ein Kunstwerk, das seit 1910 in der Galleria Borghese in Rom zu finden ist.
Das Gemälde stellt den Moment dar, in dem der Erzengel Raphael Tobias über die Notwendigkeit informiert, einen Fisch zu fangen, um die Blindheit seines Vaters zu heilen. Savoldo schenkte den Details der Drapierung, die einen silbrigen Glanz zu haben scheint, und den naturalistischen Elementen im Gemälde, wie dem Licht, das das Laub durchdringt, und den atmosphärischen Wolken in der Ferne, besondere Aufmerksamkeit. Obwohl die Gesichtszüge des Engels denen des Engels im Averoldi Polyptychon von Tizian, das einige Jahre zuvor gemalt wurde, ähneln, ist die Sentimentalität des Gemäldes eher in Einklang mit den pastoralen Tönen Giorgiones.
Der Künstler konzentrierte sich auch auf den Realismus von Tobias’ Charakter, da er als ein junger Mann voller Energie dargestellt wird. Zudem ist die Szene einzigartig, da sie Tobias und den Engel in einer Pause zeigt, anstatt in der üblichen Tradition, dass sie gehen. Dieses Gemälde zeigt Savoldos Können als Maler und seine Fähigkeit, die Emotion des Moments einzufangen.
Leda und der Schwan (Galleria Borghese)
‘Leda und der Schwan’ ist ein Gemälde aus dem Kreis von Leonardo da Vinci, wobei Cesare da Sesto wahrscheinlich der Künstler war. Es wurde geschaffen, als Leonardo das Thema Leda während seiner Arbeit an der Mona Lisa erforschte. Dieses Gemälde wurde 1625 von Cassiano del Pozzo beschrieben, doch das Werk war bis zum 18. Jahrhundert verschwunden. Glücklicherweise sind einige Reste übrig geblieben, die eine Vorstellung davon geben, wie das Original ausgesehen haben könnte. Dazu gehören Zeichnungen von Leonardos Kopf, eine Büste von Leda, eine Zeichnung in roter Kreide, ein Bild von Bugiardini, eine Kopie von Francesco Melzi und eine Kopie von Cesare da Sesto. Von diesen wird gesagt, dass die Kopie von Cesare da Sesto der Original-Leonardo am nächsten kommt und derzeit in der Galleria Borghese ausgestellt ist.
Danaë (Correggio)
Danaë, ein Gemälde des italienischen Renaissancekünstlers Correggio, wurde im Auftrag von Herzog Federico II Gonzaga von Mantua als Teil einer Serie, die Jupiters Lieben darstellt, angefertigt. Nach Federicos Tod wurde das Gemälde nach Spanien, dann nach Mailand und schließlich nach Prag, Stockholm und Rom verlegt. 1792 wurde es nach England verkauft und gehörte dem Herzog von Bridgewater und Henry Hope. 1827 wurde es von Prinz Camillo Borghese für seine römische Sammlung in Paris erworben.
Das Gemälde zeigt die griechische mythologische Figur Danaë, die Tochter von Acrisius, dem König von Argos. Wie der römische Dichter Ovid in seinen Metamorphosen erzählt, erreichte Jupiter Danaë in Form eines goldenen Regens und machte sie zur Mutter von Perseus. In Correggios Gemälde liegt Danaë auf einem Bett, während ein Kind Eros sie auszieht und Gold aus einer Wolke regnet. Am Fußende des Bettes testen zwei Putten goldene und bleierne Pfeile an einem Stein.
Die Kreuzabnahme (Raphael)
Raphaels ‘Kreuzabnahme’ gilt als eines der frühesten Meisterwerke des Künstlers. Es wurde vor seinem Umzug nach Rom und vielen anderen bekannten Werken wie der Madonna im Sessel und der Fornarina gemalt. Das Gemälde ist mit einem tragischen Vorfall verbunden, der im frühen 16. Jahrhundert in Perugia stattfand. Es stellt den Moment dar, in dem der Leichnam Christi zum Grab gebracht wird und die drei Männer, die ihn tragen, sich vor Anstrengung krümmen. Ringsum sind Frauen in Agonie und Verzweiflung. Im Zentrum des Gemäldes liegt der tote Grifonetto Baglioni, dem das Gemälde gewidmet ist. Der heilige Johannes ist die Figur mit gefalteten Händen, die auf den Leichnam Christi schaut.
Raphaels Landschaft ist eine wunderschöne Hommage an die Werke Leonardos da Vinci, mit dem Kalvarienberg im Hintergrund. In der Ferne ist die Landschaft durch Leonardos Sfumato gekennzeichnet, während der Rest des Gemäldes durch leuchtende Farben zum Leben erweckt wird und es zu einem der Meisterwerke Raphaels macht. Das Gemälde ist signiert und datiert mit „RAPHAEL URBINAS MDVII“ und erforderte viel Vorbereitungsarbeit und Skizzen.
Das Gemälde wurde ursprünglich in derselben Kirche aufgestellt, in der Raphaels Oddi Altarbild hängt. Der Erfolg der ‘Kreuzabnahme’ machte den Künstler noch bekannter und führte zu einem Wendepunkt in seinem Leben, der zu seiner Einladung nach Rom durch Papst Julius II. führte.
Junge Frau mit Einhorn (Raphael)
Das Porträt der jungen Frau mit Einhorn ist ein Meisterwerk der Renaissance, gemalt von einem ihrer bekanntesten Künstler, Raphael. Dieses Gemälde, das zwischen 1505 und 1506 entstanden sein soll, befindet sich derzeit in der Galleria Borghese in Rom. 1934 wurde das Gemälde auf Leinwand übertragen und konserviert, dabei wurde Übermalung entfernt, die ein Einhorn enthüllte, sowie ein Rad, einen Umhang und eine Palmenwedel, die Mitte des 17. Jahrhunderts hinzugefügt wurden.
Es wird angenommen, dass das Gemälde von Leonardo Da Vincis Mona Lisa inspiriert wurde, mit dem Dreiviertelformat und der im Loggia öffnenden Figur vor einer Landschaft. Ursprünglich wurde das Gemälde Perugino zugeschrieben, bis man erkannte, dass es tatsächlich von Raphael stammt. Dies wurde in der Restaurierung der 1930er Jahre bestätigt, die auch das Einhorn enthüllte, ein Symbol der Keuschheit in der mittelalterlichen Romantik. Eine weitere Restaurierung im Jahr 1959 offenbarte das Bild eines kleinen Hundes, ein Symbol für eheliche Treue, das unter dem Einhorn lag. Dies diente als Skizze für das endgültige Aussehen des Einhorns.
Der junge kranke Bacchus (Caravaggio)
Der junge kranke Bacchus, auch bekannt als der kranke Bacchus oder das Selbstporträt als Bacchus, ist ein frühes Selbstporträt des italienischen Barockkünstlers Michelangelo Merisi da Caravaggio. Es wird angenommen, dass es zwischen 1593 und 1594, kurz nach Caravaggios Ankunft in Rom, gemalt wurde. Neuere Studien deuten darauf hin, dass Caravaggio möglicherweise an Malaria litt, was durch die gelbe Haut und den Ikterus in den Augen des Gemäldes angedeutet wird. Eine andere Diagnose, die vorgeschlagen wurde, ist Morbus Addison, basierend auf den Anzeichen von Anämie und Akanthose nigricans.
Man nimmt an, dass das Gemälde von Caravaggio auch dazu genutzt wurde, seine Fähigkeiten in Genres wie Stillleben und Porträtmalerei sowie seine Fähigkeit zur Darstellung klassischer Figuren der Antike zu demonstrieren. Es wird angenommen, dass die Grimasse und die Neigung des Kopfes sowie das Gefühl des Leidens, das im Gemälde dargestellt wird, eine Darstellung des körperlichen und geistigen Zustands des Künstlers zu dieser Zeit ist. Dies kann mit späteren Werken wie dem Jungen mit einem Korb voller Obst und dem von einer Eidechse gebissenen Jungen verglichen werden, die einen deutlich verbesserten Zustand zeigen.
David mit dem Haupt Goliaths (Caravaggio)
Im Mai 1606 wurde Caravaggio des Mordes beschuldigt und floh aus Rom, um dem auf ihn ausgesetzten Kopfgeld zu entgehen. In einem verzweifelten Versuch, eine Begnadigung zu erhalten, malte er ein Selbstporträt als Goliaths abgetrennten Kopf, gehalten von David, seinem Henker, und sandte es 1610 an den päpstlichen Hof. Obwohl er schließlich begnadigt wurde, kam die Begnadigung nicht vor Caravaggios Tod in Porto Ercole an.
David mit dem Haupt Goliaths ist eine bemerkenswerte Hommage an den Malstil von Tizian, mit Davids Gesicht, das von einem strahlenden Heiligenschein umgeben ist. Im Gegensatz zu Michelangelos David hält Caravaggios David in der einen Hand ein Schwert und in der anderen eine Waage, was auf seine Rolle als Richter hinweist. Dies bezieht sich auf Christus, der sowohl der endgültige Richter als auch der Retter ist. Im Gegensatz zu Davids jugendlicher Kraft malt Caravaggio sich als Goliath in einer düsteren, verzweifelten Art und Weise. Seine Stirn ist gequetscht und seine Augen sind unfokussiert und leblos. Die Gegenüberstellung von Leben und Tod in diesem Gemälde ist symbolisch für den Körper, aber auch für die Seele. Caravaggios Darstellung von sich selbst als Verdammten ist eine kraftvolle Reflektion seiner kriminellen Vergangenheit und sexuellen Verfehlungen.
Der schreibende Heilige Hieronymus (Caravaggio)
Caravaggios Der schreibende Heilige Hieronymus ist ein Gemälde, das die Meisterschaft des Künstlers im Umgang mit dem Chiaroscuro und sein tiefes Verständnis für die menschliche Verfassung widerspiegelt. Das Gemälde befindet sich in der Galleria Borghese in Rom und stammt vermutlich aus den Jahren 1605 bis 1606. Es zeigt den Heiligen Hieronymus, ein beliebtes Motiv für Caravaggio, der intensiv liest und einen ausgestreckten Arm und eine Feder hält. Es wurde vorgeschlagen, dass Hieronymus gerade die Vulgata übersetzt. Das Gemälde wurde von Kardinal Scipione Borghese angefordert, es ist jedoch möglich, dass er es später erworben hat. Es stammt wahrscheinlich aus Caravaggios spät-römischer Periode, die mit seiner Verbannung nach Malta im Jahr 1606 endete. Die Authentizität des schreibenden Heiligen Hieronymus wurde aufgrund seiner Zuschreibung an Jusepe de Ribera in den Borghese-Inventaren von 1700 bis 1893 in Frage gestellt.
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Junge mit einem Korb voller Obst (Caravaggio)
Caravaggios Junge mit einem Korb voller Obst geht auf die frühen 1600er Jahre zurück, als der Künstler gerade aus Mailand in Rom angekommen war. Das Gemälde zeigt seinen Freund, den sizilianischen Maler Mario Minniti, der damals etwa 16 Jahre alt war. Das Stück befand sich ursprünglich in der Sammlung von Giuseppe Cesari und wurde 1607 von Kardinal Scipione Borghese beschlagnahmt. Es stammt vermutlich aus der Zeit, als Caravaggio für Cesari Blumen- und Früchtegemälde anfertigte, oder möglicherweise nachdem er und Minniti Cesaris Werkstatt im Januar 1594 verlassen hatten.
Das Gemälde ist ein feines Beispiel für Caravaggios Realismus; der Künstler fängt nur das ein, was im Korb ist, ohne deren Reife oder Anordnung zu idealisieren. Dennoch ist es ein ästhetisch ansprechendes Stück, das den Betrachter durch seine Schönheit und Eleganz anzieht. Vittorio Sgarbi hat bestimmte Murilleque Porträtqualitäten im Gemälde bemerkt, die auf den Einfluss von Cesaris Werkstatt hindeuten könnten.
Melissa (Dossi)
Dosso Dossis Gemälde, betitelt Circe (oder Melissa), ist ein Öl auf Leinwand Werk, datiert auf c.1518. Der Künstler, Giovanni de Lutero, war ein italienischer Maler der Spätrenaissance, beeinflusst von Giorgione und Raphael und hatte in der Werkstatt von Lorenzo Costa studiert. Dossi war bekannt für seine faszinierenden Landschaften, eine Seltenheit für die Zeit, die oft dominant in seinen Werken sind, wie bei Melissa. Das Gemälde wurde von Ferrara nach Scipione Borghese von Kardinal Enzo Bentivoglio geschickt und wurde erstmals in Giacomo Manillis Sammlung im Jahr 1650 erwähnt. Jüngste Konservierungsarbeiten haben das Vorhandensein von verschiedenen “Pentimenti” auf der linken Seite aufgedeckt.
Das Gemälde zeigt eine weibliche Figur mit einem Turban und einem Mantel in leuchtenden Farben, die eine Fackel und eine Tafel mit kabbalistischen Mustern hält. Sie wurde sowohl als Homers Circe als auch als Melissa identifiziert, basierend auf Ludovico Ariostos Gedicht “Orlando Furioso” (Canto VIII, 14-15), das die Befreiung einer Gruppe von Rittern beschreibt, die im Gemälde durch die embryonalen Formen dargestellt werden, die an den Baumstämmen auf der linken Seite hängen. Somit ist das Gemälde eine eindrucksvolle Darstellung der mythologischen und literarischen Figuren und der künstlerischen Fähigkeit von Dosso Dossi.
Skulpturen in der Galleria Borghese zu sehen
Büste von Papst Paul V (Bernini)
Gian Lorenzo Bernini, ein renommierter italienischer Künstler, schuf zwei Büsten von Papst Paul V, von denen sich eine derzeit in der Galleria Borghese in Rom befindet und vermutlich aus dem Jahr 1618 stammt. 2015 wurde eine zweite Büste, die von Kardinal Scipione Borghese in Auftrag gegeben wurde, vom J. Paul Getty Museum in Los Angeles erworben. Diese Büste wurde von Bernini 1621 kurz nach dem Tod von Papst Paul V angefertigt. Darüber hinaus befindet sich eine Bronzefassung dieser Skulptur im Statens Museum für Kunst in Kopenhagen, Dänemark.
Die Ziege Amalthea mit dem kleinen Jupiter und einem Faun (Bernini)
Die Ziege Amalthea mit dem kleinen Jupiter und einem Faun ist das früheste bekannte Werk von Gian Lorenzo Bernini und wurde irgendwann zwischen 1609 und 1615 angefertigt. Laut Filippo Baldinucci schuf der Künstler bereits mit acht Jahren einen “kleinen Marmorkopf eines Kindes, der alle verblüffte”. Als Teenager schuf Bernini zahlreiche Bilder von Putten, molligen nackten männlichen Kindern, die manchmal Flügel hatten. Diese Figuren unterschieden sich von Cherubim, die religiös waren und die zweite Ordnung der Engel darstellten. Von den drei Marmorgruppen von Putten, die Bernini zugeschrieben werden können, ist Die Ziege Amalthea mit dem kleinen Jupiter und einem Faun die einzige, die annähernd datierbar ist. 1615 wurde einem Tischler für die Bereitstellung eines hölzernen Podests für die Skulpturengruppe bezahlt. Dies hat einige Autoren dazu veranlasst, ein Entstehungsdatum von 1609 vorzuschlagen, basierend auf stilistischen Gründen und der Rechnung für das Podest von 1615, die als Ersatz interpretiert werden könnte.
The Goat Amalthea with the Infant Jupiter and a Faun (Bernini)
Äneas, Anchises und Askanius (Bernini)
Die Skulptur Äneas, Anchises und Askanius von Gian Lorenzo Bernini, die sich in der Galleria Borghese befindet, ist eine wunderschöne Hommage an das zweite Buch von Vergils Aeneis. Diese lebensgroße Skulptur wurde geschaffen, als Bernini erst zwanzig Jahre alt war, und man glaubte ursprünglich, sie sei das Werk seines Vaters, Pietro. Selbst heute debattieren viele noch, ob Bernini Hilfe von seinem Vater hatte oder nicht.
Die Skulptur zeigt eine Szene aus der Aeneis, in der Äneas seinen Vater Anchises und seinen Sohn Askanius aus Troja begleitet. Äneas trägt seinen Vater auf seinen Schultern, und Anchises hält zwei kleine Statuen, die Penaten. Die Details der Skulptur sind unglaublich und zeugen vom Können Gian Lorenzo Berninis in so jungen Jahren.
Die Entführung der Proserpina (Bernini)
Die Entführung der Proserpina (Ratto di Proserpina) von Gian Lorenzo Bernini ist eine barocke Skulpturengruppe aus Marmor, die von Kardinal Scipione Borghese in Auftrag gegeben und zwischen 1621 und 1622 vollendet wurde, als Bernini erst dreiundzwanzig Jahre alt war. Dieses Kunstwerk zeigt die Entführung der Proserpina durch Pluto, den Gott der Unterwelt. Kardinal Scipione zahlte Bernini 450 römische Scudi für die Skulptur, die 1622 Kardinal Ludovisi geschenkt und 1908 vom italienischen Staat zurückgekauft und in die Villa Borghese zurückgebracht wurde.
Der Mythos von Proserpinas Entführung basiert auf der römischen Mythologie. Proserpina ist die Tochter von Ceres, der Göttin der Fruchtbarkeit, und Jupiter, dem Schutzgott des Himmels und des Donners. Als Proserpina einmal Blumen mit ihren Freundinnen pflückte, sah sie Pluto, der Herrscher der Unterwelt, und verliebte sich in sie. Er entführte sie mit einem von vier schwarzen Pferden gezogenen Wagen in die Unterwelt. Als Ceres die Hilferufe ihrer Tochter hörte, suchte sie sie und wurde so wütend, dass sie das Land verfluchte und eine große Hungersnot auslöste. Jupiter griff ein und schlug einen Deal vor, dass Proserpina die Hälfte des Jahres bei ihrer Mutter und die andere Hälfte in der Unterwelt bei Pluto verbringen würde.
David (Bernini)
David ist eine lebensgroße Marmorskulptur, die von Gian Lorenzo Bernini geschaffen und von Kardinal Scipione Borghese für seine Villa in Auftrag gegeben wurde. Sie wurde in einem Zeitraum von sieben Monaten in den Jahren 1623-1624 vollendet. Das Kunstwerk zeigt den biblischen David, der bereit ist, den Stein zu werfen, der Goliath zu Fall bringen und ihm die Möglichkeit geben wird, ihn zu enthaupten. Diese Skulptur gilt als innovativ, aufgrund ihrer implizierten Bewegung und ihrer psychologisch intensiven Natur, im Vergleich zu anderen Werken zum gleichen Thema.
Bevor Bernini an David arbeitete, hatte er den Auftrag erhalten, verschiedene Skulpturen für die Villa seines Mäzens, Kardinal Scipione Borghese, anzufertigen. Er arbeitete an der Skulptur von Apollo und Daphne, als er seinen Fokus abrupt auf David verlagerte. Aufzeichnungen deuten darauf hin, dass Bernini Mitte 1623 mit der Arbeit an der Skulptur begonnen hatte und ein Jahr später damit fertig war.
Apollo und Daphne (Bernini)
Apollo und Daphne von Gian Lorenzo Bernini, enthüllt 1625, ist ein Meisterwerk der Barockskulptur. Zur damaligen Zeit wurde das Werk als “meraviglia”, als Wunder, gefeiert wegen seines unglaublichen künstlerischen Niveaus und Könnens. Trotz seiner erst 30 Jahre hatte es Bernini geschafft, eine Vielzahl von Emotionen in das Stück zu legen; von der Angst der verfolgten Frau bis hin zur Begierde des Mannes, der kein Nein als Antwort akzeptiert.
Vier Jahrhunderte später fesselt Apollo und Daphne die Betrachter immer noch mit seiner atemberaubenden Schönheit und seinen düster relevanten Themen sexueller Aggression und Machtungleichgewicht. Berninis Kunst, Bewegung und Verwandlung aus Stein zu meißeln, wurde nur selten erreicht, und das Werk gehört weiterhin zu seinen meistgelobten Arbeiten.
Die Wahrheit enthüllt durch die Zeit (Bernini)
Gian Lorenzo Berninis Skulptur Die Wahrheit enthüllt durch die Zeit ist ein Meisterwerk der Kunst, geschaffen als Antwort auf die Kritik seiner Gegner an seinem gescheiterten Architekturprojekt. Die Skulptur zeigt eine nackte junge Frau, die von einer Figur der Zeit enthüllt wird, eine Figur, die leider nie fertiggestellt wurde. Obwohl die Figur der Zeit unvollendet blieb, war Berninis Liebe zum Detail noch in seiner Arbeit sichtbar, die 1652 fertiggestellt wurde und in seinem Testament dem erstgeborenen der Familie Bernini vererbt wurde.
Obwohl Bernini versuchte, die Skulptur an Kardinal Mazarin von Frankreich zu verkaufen, blieb sie bis 1924 in seiner Familie, als sie von der italienischen Regierung gekauft und in die Galleria Borghese verlegt wurde. Der Sockel der Skulptur war abgesenkt worden, wurde aber kürzlich wieder in eine flache Oberfläche restauriert, sodass die Wahrheit wieder in aufrechter Position steht, wie sie ursprünglich ausgestellt gewesen wäre.
Die Skulptur ist eine Erinnerung an Berninis Können, selbst angesichts der Kontroversen um sein gescheitertes Projekt. Eine Erinnerung daran, dass die Wahrheit durch die Zeit enthüllt werden kann und die Geschichte das Werk des Künstlers immer in Erinnerung behalten wird.
Venus Victrix (Canova)
Das Porträt der Paolina Borghese, das 1804 von Fürst Camillo Borghese in Auftrag gegeben wurde, ist eines der ikonischen Meisterwerke der Galleria, das 1808 von Antonio Canova vollendet wurde. Das Paar hatte ein Jahr zuvor in Paris geheiratet, mit dem Segen Napoleons, da die schöne und lebendige Pauline Bonaparte seine geliebte Schwester war. Nach ihrer Rückkehr nach Rom konnte Pauline ihren Lebensstil des Zeigens und der Unterhaltung wieder aufnehmen.
Es gab viele Gerüchte über die Entstehung des Porträts, und Pauline soll sogar den Kommentar gemacht haben: “Alle Schleier können vor Canova fallen”. Tatsächlich handelt es sich jedoch um ein ideales Porträt, das die Prinzessin als Venus und Siegerin des Urteils von Paris zeigt, wie der Apfel in ihrer Hand anzeigt. Dieses Werk ist eine Zusammenfassung von Canovas figürlicher Kultur und zollt sowohl den klassischen als auch den venezianischen Maltraditionen Tribut.
Die Darstellung der Matratze unter der Göttin ist beeindruckend und erinnert an ein anderes illustres Vorbild – die Matratze, die Bernini für seinen Hermaphroditus gemeißelt hatte, der Scipione Borghese gehörte. Der ursprüngliche Mechanismus, der es der Skulptur ermöglichte, sich um 360 Grad zu drehen, ist heute noch in Betrieb und ermöglicht es den Besuchern, die gesamte Schönheit des Werkes zu bewundern.
Zusammenfassend steht das Porträt von Paolina Borghese als ein Symbol für Canovas einzigartigen Neoklassizismus und erinnert an die große Sorgfalt, die bei seiner Schöpfung walten gelassen wurde.
